"SIETE ARTES"

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lunes, 24 de julio de 2017

CURSOS A DISTANCIA - EL RELATO LITERARIO ADAPTADO AL CINE: WILLIAM SHAKESPEARE



CURSOS A DISTANCIA DE LITERATURA

INTERTEXTUALIDAD Y LENGUAJE

"MACBETH" ADAPTADO



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Durante todo el año se encuentra abierta la inscripción para los Workshops de artes a distancia del blog educativo Siete Artes, llevados a cabo en la plataforma virtual https://cursosarte17.milaulas.com

Nuestros Workshops están dirigidos a aficionados y amantes del cine, las letras, las artes y las comunicaciones. Para participar en ellos no es necesario tener experiencia en el rubro, ni grados académicos previos. 
Los workshops son una moderna propuesta para el aprendizaje, de modalidad intensiva en un día de duración y tenemos disponibilidad horaria para que puedas hacerlo compatibles con tu jornada laboral.




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Es valido señalar que la critica de cine acerca el film a lo literario para establecer valores y la dimensión temporal del cine incorpora a este la función de la narración, aunque en el cine siempre prima por encima de todo el trabajo del realizador. El cine es concebido primordialmente como representación de realidad producto de contar fielmente acontecimientos, como a través de la palabra la literatura recrea ambientes y sigue cierto hilo temporal de acciones.  Entonces podemos afirmar que el cine independiza a la literatura de este al describir el mundo. 

Antiguos realizadores (y desde los comienzos del cine mismo) utilizaban obras literarias para desarrollar films, como una gran bolsa de historias de la que se nutrían estética y narrativamente. La literatura es un sistema que crea situaciones narrativas, construye personajes y efectos de sentido ligados a lo genérico, cuyo plano de expresión es la lengua. El cine es un lenguaje de expresión múltiple: la puesta en escena, el juego actoral, los planos, el montaje, el sonido etc. Así el cine cuenta al transponer una obra con infinitos recursos para adaptar su significación literaria. La adaptación puede codiciar parcial o profundamente un texto literario, por lo que textos relativamente pobres pueden convertirse en grandes films dadas las posibilidades expresivas y especificáis del lenguaje, que al observarlos desde un modo crítico se ponen de manifiesto como objeto de estudio de sus recursos.

Hoy en día un fenómeno masificado, como es sabido, la transposición más común conocida fue desde el teatro o la literatura. Actualmente hay ejemplos del cine a la tv, de series televisivas al cine y de éxitos masivos cinematográficos q se propagan a la novela. También cabe mencionar transposiciones desde el género musical al cine o de la literatura hacia el teatro. En otro orden, el fenómeno estilístico posmoderno ha permitido en el último tiempo múltiples transposiciones o que su paso por medio sea objeto de más de una versión.  El análisis de este fenómeno nos obliga a conocer temas, géneros y núcleos narrativos que generan interés en una sociedad, cultura y época determinada. Desde el estudio crítico también se establecen relaciones entre cine y literatura. El hecho de que el film y su dimensión temporal incorpora la sensación de narración, nos hace acercarnos a lo literario para establecer una valoración. Cierta corriente critica sobre valora lo contenido en la escritura del guión por encima de la realización.  Sucede que si bien el cine narrativo (representación de acontecimientos reales que reproducen una línea de tiempo) tiene su origen en la novela, este independizó al cine de la literatura en su deber de describir al mundo a través de la palabra, ahora podía mostrarlo...La base de exposición nudo y desenlace fue el punto de referencia de los cineastas primitivos.

Para nuestro curso tomaremos como ejemplo la obra de William Shakespeare y su transposición fílmica. Los escritos del dramaturgo ingles siempre han sido objeto de revisionismo cinematográfico. Algo así como una gran bolsa dadora de argumentos desde donde los cineastas más reconocidos (Laurence Olivier, Kenneth Branagh, Al Pacino) han adaptado la obra del prolífico dramaturgo ingles a la gran pantalla. Desde la tragedia de “Enrique V” (1953) de Laurence Olivier, pasando por la comedia parodia de “Mucho Ruido y Pocas Nueces” (1993) o “Sueño de una Noche de Verano” (1997) de Branagh, quien también adapto su propia versión de “Enrique V” (1988) y “Hamlet” (1992). 

A manera de ejemplificar este curso, examinaremos una de las obras mas polémicas y celebradas del autor. De sus varias adaptaciones a la gran pantalla, destacan tres de todas ellas, provenientes las mismas de cineastas con estéticas bien definidas dentro del cine de autoría y originarios de latitudes y tradiciones fílmicas opuestas: Orson Welles, Roman Polanski y Akira Kurosawa. Tres adaptaciones con concepciones bien distintas, pero igual de brillantes de un clásico de la literatura llevada a cabo por tres de los cineastas más grandes de todos los tiempos. Como se ve, desde lo estético, lo formal y lo conceptual, tres acercamientos bien disímiles a un mismo relato. 

La huella de la obra original esta allí presente para establecer que tipo de cercanía tiene con la obra fílmica, que tipo de espectador cuenta con el interés de esas obras que no en vano han permanecido vigentes al paso del tiempo. En el film, cabe aclarar, la huella que el acontecimiento ha ocurrido es la imagen y una adaptación fílmica esta sujeta a varias interpretaciones y juicios posteriores, evaluación primaria y próxima a cualquier expresión artística que se precie de ser tal. Podemos establecer que el imaginario personal de cada lector provocado por el libro dejara la adaptación de la historia sujeta a la mayor de las subjetividades, mas allá de la fidelidad o no con que se retrate la obra respecto de su original. El cine fija el tiempo, la huella es la imagen del acontecimiento y en el libro los acontecimientos son la palabra del autor.En este caso, quizás esas palabras provengan del más grande dramaturgo en habla inglesa de todos los tiempos. 


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Filmografía obligatoria: Macbeth, 1948 de Orson Welles- Trono de Sangre, 1957, de Akira Kurosawa - Macbeth, 1973 de Roman Polanski

Duración: mensual
Valor: 700$
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ESCUELA DE ARTISTAS: GESTALT Y LA PERCEPCIÓN DEL ARTE MULTIDISCIPLINAR




CURSOS Y WORKSHOPS A DISTANCIA:
CREACIÓN, PENSAMIENTO DIVERGENTE Y GESTALT: 

METODOLOGÍAS DEL ARTE INTERDISCIPLINARIO








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l. Concepto general.

El hombre adquiere conciencia de sí mismo y del mundo que le rodea por medio de sus sentidos. A partir de los estímulos recogidos por los sentidos el hombre DESCUBRE, ORGANIZA y RECREA la realidad, adquiriendo conciencia de ella por medio de la PERCEPCIÓN. Estamos en esto con los filósofos empiristas, aunque los recientes avances de la genética y el estudio del comportamiento animal nos vislumbren posibles fuentes innatas de conocimiento, y tengamos que reconsiderar la postura de los filósofos metafísicos.
No nos preocupan ahora estos problemas fundamentales de la sicología experimental sobre si hay otras fuentes de conocimiento, o si la percepción es una de las características innatas del organismo, o el resultado de las interacciones del individuo en su medio, como estudia R. H. Day. Tampoco el proceso seguido en el aprendizaje que, según J. J. Gibson, va de lo indefinido a lo definido y no de la sensación a la percepción. No se aprende a tener percepciones, sino a diferenciarlas; y esto lo apoya la moderna biología teórica diciendo que al principio será vaga, general, desorganizada y amorfa, para articularse y diferenciarse progresivamente.


Conviene dejar sentado desde el principio la fácil confusión existente entre ESTÍMULO y PERCEPCIÓN, más acentuado en la tradición histórica que en los modernos conceptos que eluden marcar líneas claras de límites entre SENSACIÓN y PERCEPCIÓN, por existir grandes polémicas sobre el tema. El estímulo pertenece al mundo exterior y produce un primer efecto o sensación en la cadena del conocimiento; es de orden cualitativo como el frío, el calor, lo duro, lo gelatinoso, lo rojo, lo blanco... Es toda energía física, mecánica, térmica, química o electromagnética que excita o activa a un receptor sensorial. La percepción pertenece al mundo individual interior, al proceso psicológico de la interpretación y al conocimiento de las cosas y los hechos.


Identificar la realidad por las impresiones que se producen en nuestros sentidos es una de las más firmes evidencias de la misteriosa perfección de la mente humana. La diferencia entre las sensaciones recibidas y la realidad del mundo físico que nos rodea, la explica la sicología, aunque están implicadas otras muchas ciencias, como la geometría, la física o la biología. 
Este tema es tan fundamental para el arte que constituye su propia esencia. Si nos referimos a un arte visual como la pintura, no cabe duda que se hace para ser visto. El análisis de esta visión normalmente se realiza sobre un plano, donde caben representadas las formas de un mundo material o imaginado, de otras dimensiones que las propias de la superficie que las contiene. 

Este fenómeno, que presenta un continente menor que el contenido, es un permanente desafío que aborda resueltamente el artista de todos los tiempos. En el campo del pintor se producen los más tensos conflictos, ya que su actividad se extiende no sólo a la percepción de las formas del espacio sino que ha de representarlas mediante códigos convincentes sobre el plano. Se mueve en el continuo dilema del conocimiento racional de los objetos y la captación visual de los mismos; entre representar las cosas "como son" o como "se ven", entre la presentación de estímulos y sensaciones, y los resultados obtenidos por la percepción. Las formas físicas de los objetos pugnan con las formas proyectivas de la representación de los mismos; así, los objetos circulares como ruedas, platos, vasos..., rara vez se ven como círculos y casi siempre como eclipses cambiantes con las que se identifican fácilmente.

2. Definición de las percepciones

PERCEPCIÓN es la impresión del mundo exterior alcanzada exclusivamente por medio de los sentidos. La percepción es una interpretación significativa de las sensaciones.
Limitando el estudio de las percepciones sólo al campo visual, diremos que, es la sensación interior de conocimiento aparente que resulta de un estímulo o impresión luminosa registrada en nuestros ojos. 
El acto perceptivo, aunque cotidiano y realizado con automatismo, no es nada simple y tiene múltiples implicaciones, pues es evidente que el mundo real no es lo que percibimos por la visión, y por ello se precisa de una interpretación constante y convincente de las señales recibidas.

De la larga discusión sobre el origen de las percepciones mantenidas por los filósofos, unos mantienen el nativismo (reacción intuitiva e innata), y otros el empirismo (fruto del aprendizaje y acumulación de experiencias). Hay una tercera postura mantenida por los filósofos de la Gestalt, sugiriendo que, es producida por una realización característica y espontánea del sistema nervioso central, que pudiera llamarse "organización sensorial. Creemos que la percepción visual, al menos, requiere un aprendizaje que se va realizando durante toda la vida, aunque casi siempre de modo casual e inconsciente, por lo que sufre grandes alteraciones y condicionamientos del medio en que se ejercita.


En la percepción visual de las formas hay un acto óptico-físico que funciona mecánicamente de modo parecido en todos los hombres. Las diferencias fisiológicas de los órganos visuales apenas afectan al resultado de la percepción, y eso que, tamaño, separación, pigmentación y otras muchas características de los ojos, hacen captaciones diferenciadas de los modelos. Su mecánica funcional, inspeccionando por recorridos superficiales y profundos, rápidos o lentos, itinerarios libres y obligados, los intervalos del parpadeo o el descanso por el "barrido" de los ojos, producen una información prácticamente idéntica en todos los individuos de vista sana. Las diferencias empiezan con la interpretación de la información recibida; las desigualdades de cultura, educación, edad, memoria, inteligencia, y hasta el estado emocional, pueden alterar grandemente el resultado. Porque se trata de una lectura, de una interpretación inteligente de señales, cuyo código no está en los ojos sino en el cerebro. Estas formas o imágenes se "leen" a semejanza de un texto literario, unas fórmulas matemáticas o una partitura musical, y de igual manera tiene su aprendizaje, requiriendo una gramática que explique sus leyes y profundice el sentido de la lectura.


Sólo muy recientemente, y tal vez por la enorme profusión de imágenes que fabrica y consume el hombre actual, se está cayendo en la cuenta de lo incompleta que es la educación escolar para enfrentarse - con discernimiento racional y preparación técnica - a la continua información, y también manipulación visual, de nuestra época. El desprecio o abandono para abordar con rigor este campo, está produciendo retrasos irrecuperables en la utilización beneficiosa de los logros técnicos conseguidos en la confección y propagación de imágenes visuales.


El poco prestigio intelectual de este idioma frente a los clásicos empleados para las ciencias, la cultura y la comunicación, achacándosele superficialidad y teniéndolo como adorno y complemento ilustrativo, en vez de tomarlo como base de la futura civilización, produce estancamiento en su aprendizaje y lentitud en su investigación docente. El empobrecimiento que se achaca a una educación por imágenes, es producto de un círculo vicioso que precisa romperse para seguir su curso en espiral. Dada la tendencia natural de la inteligencia para "significar", ésta agrupará y organizará cualquier señal recibida para que se parezca a algo ya conocido. Esta agrupación significante habrá de hacerla conforme a la experiencia (memoria), y conforme a una intención (voluntad), ello desemboca en que sólo se verá en la imagen aquello que se puede y se desea ver. La pobreza de una memoria sin imágenes significantes múltiples, y la falta de adiestramiento de una voluntad que busque nuevas intencionalidades de las formas, sólo puede producir lecturas superficiales y viciadas, poco aptas para descubrir la riqueza del peculiar idioma de las artes visuales.

3. La Gestalt 

Son los psicólogos alemanes de principios del siglo XX, W. Kóhler, K. Kofika, Lewin, y Wertheimer, que agrupados con el nombre de gestaltpsychologie (que puede traducirse como "teoría de la estructura" o de la "organización", también y muy aceptada como "teoría de la forma" o "configuración") quienes primero sientan una sólida teoría filosófica de la forma.


Nace esta nueva teoría como una reacción a la sicología del siglo XIX, que explicaba la vida anímica soldando ideas, pensamientos y sentimientos entre sí, manteniendo un asociacionismo que explicaba la organización de los todos y las funciones de sus partes. Quizás siguió el ejemplo de otras ciencias, como la Física y la Química que dividían los cuerpos en moléculas y átomos, o la Fisiología, que aislaba órganos y los disociaba en tejidos y células, generalizándose este método científico de análisis de los elementos en la sicología.
Rompe la Gestalt con esta tradición científica, declarando que la realidad psíquica es unitaria, y por ello únicamente comprensible si se la enfoca en su "conjunto estructural". Se declaraba insuficiente la sicología de los elementos y se abordaba una PSICOLOGÍA DE LOS CONJUNTOS, de las ESTRUCTURAS, de las FORMAS. Las estructuras globales pueden presentar una articulación interior de partes o miembros que tienen funciones determinadas en el todo. La correspondencia que se establece entre unas parte y la totalidad de la forma no se mantiene cuando esa parte se traslada a otro conjunto. UNA PARTE EN UN TODO ES ALGO DISTINTO A ESA PARTE AISLADA O EN OTRO TODO. La Gestalt tiene como base de la percepción que "el todo es mayor que la suma de las partes.


La repercusión de esta importante escuela, no sólo en la sicología sino en otras muchas ramas de la ciencia, lo atestigua que a los veinticinco años de iniciarse, su literatura sobrepasaba el medio millón de publicaciones.






Programa de la formación
Objetivos
• Enriquecer la práctica profesional con instrumentos de áreas artísticas: movimiento, plástica, y teatro.
• Facilitar un trabajo y una mirada interdisciplinaria que orienten el acceso a la subjetividad y sus problemáticas.
• Crear una situación de enseñanza-aprendizaje donde se privilegia el juego como fundamento de un vivir creador.
• Desarrollar la sensibilidad, la imaginación, la expresión y el potencial creativo.
• Elaborar los estereotipos y bloqueos que obstaculizan la creatividad.
• Promover una experiencia de trabajo grupal e individual que dé cuenta de nuestra manera de ser y estar en el mundo.
Contenidos
• Integración de lenguajes corporales y artísticos y su articulación con la acción y los procesos terapéuticos y/ o pedagógicos.
• Desarrollo de procesos creativos con técnicas de las artes del movimiento, de la plástica y el teatro.
• Elaboración de los contenidos simbólicos y resonancias subjetivas de las diferentes artes, sus técnicas y materiales.
Áreas
1. Introducción
• Un análisis sobre la teoría de las formas en el Arte multidisciplinario 
• Psicología y Literatura: contracultura y narrativa del Siglo XX

• El pensamiento divergente: nuevos rumbos para la creatividad

2. Plástica y Artes Visuales
• Dibujo, collage, pintura, modelado, construcciones espaciales y fotografía.
• Uso de materiales: material de desecho y elementos de la vida cotidiana para crear.
 3. Teatro y Cine
• Gesto, acción, adaptación y personaje. Máscaras
• Las Leyes de la Gestalt en el Cine
 Metodología de trabajo
El enfoque incluye los planos reflexivo y teórico. Esta modalidad permite explorar y apropiarse de técnicas muy diversas y tener el encuadre teórico necesario para su práctica.
Serán también ejes del aprendizaje: la elaboración grupal y personal de las resonancias subjetivas del trabajo vivencial, y la lectura y análisis de material bibliográfico de la filosofía, estética, arteterapia y antropología. A través de tutorías individuales y colectivas, acompañamos y supervisamos el proceso de formación, así como la elaboración de proyectos de los participantes.


Duración

La duración de este taller es de 3 meses, el cuál consta de una clase semanal.

Certificación


Se entregara a los que aprueben la totalidad del curso un certificado de  con la firma del docente y el membrete de la institución.
 Días y horarios
de Lunes a Viernes, consultar disponibilidad horaria.


Valor mensual: 700$
Descuento para estudiantes y egresados de la UNLP

Más información en nuestras vías de contacto.
Conocé toda la oferta en Formación a Distancia que ofrece SIETE ARTES a través de los Workshops a Distancia 2017, accediendo a través del siguiente link:
mail: cursos7artes@hotmail.com
whatsapp: 221-5669558

ESCUELA DE ARTISTAS: “INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE” (II)




               CURSOS Y WORKSHOPS A DISTANCIA:

“INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE”

(II)





Durante todo el año se encuentra abierta la inscripción para los Workshops de artes a distancia del blog educativo Siete Artes, llevados a cabo en la plataforma virtual https://cursosarte17.milaulas.com

Nuestros Workshops están dirigidos a aficionados y amantes del cine, las letras, las artes y las comunicaciones. Para participar en ellos no es necesario tener experiencia en el rubro, ni grados académicos previos. 
Los workshops son una moderna propuesta para el aprendizaje, de modalidad intensiva en un día de duración y tenemos disponibilidad horaria para que puedas hacerlo compatibles con tu jornada laboral.




Fundamentos de la materia

Nuestra meta esencial es comprender el esfuerzo creador del ser humano en el tiempo, y para ello necesitaremos estudiar y profundizar en los procesos creativos y las experiencias artísticas, su dimensión social y temporal. Porque, si bien la materia tiene un carácter histórico, la propia naturaleza de la obra de arte le otorga características específicas que la ponen en relación con otras disciplinas o áreas de conocimiento (filosofía, economía, religión, etc.). El conocimiento y valoración de la obra artística también nos permitirá construir una visión crítica de nuestro patrimonio artístico y nos preparará para su preservación y disfrute. En definitiva, el estudio de la obra artística, en cualquiera de sus modalidades, formatos, soporte o tiempo histórico, nos ayudará a comprender la memoria del pasado y del presente, nos permitirá desarrollar nuestra conciencia crítica y nuestra sensibilidad por el entorno cultural. Nos permitirá, en definitiva, comprender mejor la sociedad y el tiempo en que vivimos, sus claves estéticas y culturales.


II. OBJETIVOS GENERALES.

1. Entender las obras de arte como exponentes de la creatividad humana, capaces de ser disfrutadas por sí mismas y de ser valoradas como documento testimonial de una época y cultura.
2. Comprender y valorar la variabilidad de las funciones sociales y de las concepciones diferentes del arte a lo largo de la historia.
3. Apreciar y reconocer la diversidad de interpretaciones y valores de la obra de arte en los diferentes contextos históricos.
4. Explicar, situándolos adecuadamente en el tiempo y en el espacio, los hechos artísticos más relevantes de la Historiadel Arte, valorando su significación en el proceso histórico-artístico.
5. Analizar la dimensión social de la creación artística, y reconocer la incidencia de lo social en el proceso de producción y difusión de las obras de arte.
6. Explicar los procesos de cambio artístico y transformación cultural más importantes del arte occidental, reconociendo y diferenciando los elementos y las razones de las pervivencias y rupturas.
7. Comprender y utilizar los conceptos específicos de la Historia del Arte y apreciar positivamente las posibilidades de un análisis histórico-artístico en constante reconstrucción.
8. Utilizar un método de análisis e interpretación de las obras de arte que desarrolle la sensibilidad y la imaginación.
9. Realizar actividades de documentación e indagación, de análisis y de crítica de fuentes y material historiográfico diverso.
10. Conocer, disfrutar y valorar el patrimonio artístico, desde posiciones críticas y creativas, como exponente de nuestra identidad cultural.
11. Desarrollar el gusto personal, el sentido crítico y la capacidad de goce estético.


III. NÚCLEOS DE CONTENIDOS
Los núcleos de contenidos se organizan en una serie de temas o contenidos conceptuales organizados sobre la obra, el autor, el público, y su continua interacción.


1. De la Edad Media a la Edad Moderna

EL  PROCESO CREATIVO EN TRANSICIÓN: EL ARTISTA EN LA SOCIEDAD.

1) El arte del Renacimiento. Arte italiano del Quatrocento. La arquitectura: Brunelleschi y Alberti. La escultura: Donatello. La pintura: Masaccio, Fra Angélico, P. della Francesca y Botticelli. El Cinquecento: de Bramante a Palladio, el templo, el palacio y la villa. La escultura: Miguel Ángel. La pintura: la Escuela Romana y la Escuela Veneciana. El Renacimiento en España: arquitectura, escultura y pintura. El greco.
2) El arte Barroco. Urbanismo y arquitectura: Bernini y Borromini. El palacio del poder: Versalles. España: de la Plaza Mayor al Palacio borbónico. La escultura barroca: Bernini. La imaginería española. La pintura barroca italiana, flamenca y holandesa: Rubens y Rembrandt. La pintura española: Velázquez.
3) Las artes europeas a finales del siglo XVIII y principios del s. XIX: el Neoclasicismo. Urbanismo y arquitectura. La pintura romántica.

2. Historia del Arte Moderno

EL ARTE CONTEMPORÁNEO: EL CAMINO DE LA MODERNIDAD

1) Hacia la arquitectura moderna: urbanismo y arquitectura en la segunda mitad del s. XIX. Las grandes transformaciones urbanas. El Eclecticismo. La arquitectura de los nuevos materiales. El Modernismo.
2) Las artes figurativas en la segunda mitad del s. XIX. La pintura realista. Courbet. La pintura impresionista: Sorolla. El Neoimpresionismo. La escultura. A. Rodin.
3) Las Vanguardias históricas: las artes plásticas en la primera mitad del s. XX. Fauvismo y Expresionismo. Cubismo y Futurismo. Los inicios de la abstracción. Dadá y Surrealismo. Dalí. Picasso.
4) Arquitectura y Urbanismo del s. XX. El Movimiento Moderno: el Funcionalismo. La Bauhaus. Le Corbusier. El Organicismo. Wright. La Arquitectura Postmoderna. Últimas tendencias.
5) De la Abstracción a las últimas tendencias: las artes plásticas en la segunda mitad del s. XX. El Expresionismo abstracto y el Informalismo. La Abstracción postpictórica y el Minimal Art. La Nueva Figuración. El Pop Art. El Hiperrealismo. Últimas tendencias.

3. Historia del Cine

EL MANIFIESTO DE LAS SIETE ARTES: LA IMAGEN EN MOVIMIENTO COMO SÍNTESIS DEL ARTE

1) La cultura visual de masas: expresión artística y sociedad de consumo. Arte, Industria y Entretenimiento.
2) La fotografía y el Nacimiento del cine: De los Hnos. Lumiere a D.W. Griffith.
3) El Discurso Audiovisual: Lenguaje y Gramática Cinematográfica: Orson Welles y el Modelo de Representación Institucional.
4)  La Política de Autor Cinematográfica: Tendencias y Teorías principales, de Cahiers du Cinemá a Nouvelle Vague.




Duración


La duración de este taller es de 3 meses. Es un taller intensivo, de una clase semanal, en los que se verán los módulos en que separamos el curso en dos bimestres que incluyen un último apartado destinado a la actividad práctica.

Certificación

Se entregara a los que aprueben la totalidad del curso un certificado de  con la firma del docente y el membrete de la institución.
 Días y horarios
de Lunes a Viernes, consultar disponibilidad horaria.


Valor mensual: 700$
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ESCUELAS DE ARTISTAS: “INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE” (I)


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“INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE”

(I)





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  I.           Fundamentos de la materia


Nuestra meta esencial es comprender el esfuerzo creador del ser humano en el tiempo, y para ello necesitaremos estudiar y profundizar en los procesos creativos y las experiencias artísticas, su dimensión social y temporal. Porque, si bien la materia tiene un carácter histórico, la propia naturaleza de la obra de arte le otorga características específicas que la ponen en relación con otras disciplinas o áreas de conocimiento (filosofía, economía, religión, etc.). El conocimiento y valoración de la obra artística también nos permitirá construir una visión crítica de nuestro patrimonio artístico y nos preparará para su preservación y disfrute. En definitiva, el estudio de la obra artística, en cualquiera de sus modalidades, formatos, soporte o tiempo histórico, nos ayudará a comprender la memoria del pasado y del presente, nos permitirá desarrollar nuestra conciencia crítica y nuestra sensibilidad por el entorno cultural. Nos permitirá, en definitiva, comprender mejor la sociedad y el tiempo en que vivimos, sus claves estéticas y culturales.


II. OBJETIVOS GENERALES.

1. Entender las obras de arte como exponentes de la creatividad humana, capaces de ser disfrutadas por sí mismas y de ser valoradas como documento testimonial de una época y cultura.
2. Comprender y valorar la variabilidad de las funciones sociales y de las concepciones diferentes del arte a lo largo de la historia.
3. Apreciar y reconocer la diversidad de interpretaciones y valores de la obra de arte en los diferentes contextos históricos.
4. Explicar, situándolos adecuadamente en el tiempo y en el espacio, los hechos artísticos más relevantes de la Historia del Arte, valorando su significación en el proceso histórico-artístico.
5. Analizar la dimensión social de la creación artística, y reconocer la incidencia de lo social en el proceso de producción y difusión de las obras de arte.
6. Explicar los procesos de cambio artístico y transformación cultural más importantes del arte occidental, reconociendo y diferenciando los elementos y las razones de las pervivencias y rupturas.
7. Comprender y utilizar los conceptos específicos de la Historia del Arte y apreciar positivamente las posibilidades de un análisis histórico-artístico en constante reconstrucción.
8. Utilizar un método de análisis e interpretación de las obras de arte que desarrolle la sensibilidad y la imaginación.
9. Realizar actividades de documentación e indagación, de análisis y de crítica de fuentes y material historiográfico diverso.
10. Conocer, disfrutar y valorar el patrimonio artístico, desde posiciones críticas y creativas, como exponente de nuestra identidad cultural.
11. Desarrollar el gusto personal, el sentido crítico y la capacidad de goce estético.


III. NÚCLEOS DE CONTENIDOS
Los núcleos de contenidos se organizan en una serie de temas o contenidos conceptuales organizados sobre la obra, el autor, el público, y su continua interacción.

1. Historia del Arte. Conceptos fundamentales

EL ARTE COMO EXPRESIÓN HUMANA EN EL ESPACIO Y EN EL TIEMPO, Y EL OBJETO ARTÍSTICO: INTERPRETACIÓN Y ANÁLISIS DE LA OBRA DE ARTE.

1) El lenguaje visual y su terminología.
2) Iconografía e Iconología.
3) Función social y valor de la obra de arte en la Historia.
4) Definición, clasificación y naturaleza del arte a lo largo del tiempo. Distintas conceptualizaciones del arte.
5) Percepción y análisis de la obra de arte.
6) Museos, el rol contemporáneo del artista y la conservación de la obra de arte.

2. Arte Prehistórico y Arte Antiguo

CAMBIO ARTÍSTICO Y TRANSFORMACIÓN CULTURAL EN LOS COMIENZOS DE LA CIVILIZACIÓN

a)

1) Los inicios del arte: el legado de la Prehistoria: la pintura rupestre, manifestaciones pictóricas; la arquitectura megalítica.
2) Aportaciones artísticas de Egipto, Oriente y Mesopotamia: arquitectura y artes figurativas.

b)

1) El arte clásico: Grecia. La arquitectura griega. Los órdenes arquitectónicos. El templo y el teatro. La Acrópolis de Atenas. La evolución de la escultura griega.
2) El arte clásico: Roma. La arquitectura: características generales. La ciudad romana. La escultura: el retrato. El relieve histórico.

3. Arte Medieval

EL HOMBRE CONFRONTA LO DIVINO: EL ARTE COMO AFIRMACIÓN DE PODER

1)   El arte cristiano medieval. Aportaciones del primer arte cristiano: la basílica. La nueva iconografía. El arte bizantino: la época de Justiniano.
2) El arte Prerománico. El contexto europeo. La época visigoda. Arte asturiano y arte Mozárabe.
3) El arte románico como primera definición de occidente. La arquitectura. El monasterio y la iglesia de peregrinación. La portada románica. La pintura mural. El arte románico en el Camino de Santiago.
4) El arte gótico como expresión de la cultura urbana. La arquitectura: catedrales, lonjas y ayuntamientos. La arquitectura gótica española. La portada gótica.






Duración


La duración de este taller es de 3 meses. Es un taller intensivo, de una clase semanal, en los que se verán los módulos en que separamos el curso en dos bimestres que incluyen un último apartado destinado a la actividad práctica.

Certificación

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Valor mensual: 700$
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